La Fiera di Lucca, che nel bellissimo centro della città ospita per quattro giorni (cinque per l’edizione 2011) appassionati di fumetti, film e giochi (dai videogames ai giochi di ruolo), autori, editori e commercianti del settore, si è chiusa anche quest’anno, facendo registrare dei numeri veramente impressionanti che la collocano al terzo posto di importanza mondiale nell’ambito di manifestazioni di questo tipo. Nonostante questo, tale evento è passato completamente sotto il silenzio dei principali media d’informazione.

Le presenze totali durante i cinque giorni di manifestazione sono state di 155.000 persone; e questo solo per quanto riguarda i visitatori paganti, perché moltissime persone hanno scelto di partecipare agli eventi gratuiti. 450 sono stati i giornalisti accreditati, oltre 500 gli stand presenti divisi nelle cinque aree (Comics, Games, Junior, Movie e Music), che coprivano oltre 22.000 metri quadrati su sette piazze cittadine.

Tra i visitatori, sono stati 950 gli aspiranti fumettisti che hanno mostrato i loro book agli editori presenti, mentre 900 bambini hanno preso parte alle attività per loro organizzate nell’area Junior, e 1000 sono stati i Cosplayer (persone travestite con costumi visti nei fumetti e cartoni animati, soprattutto giapponesi, parte immancabile e colorata alle fiere del fumetto) che si sono iscritti alle sfilate.

Una proposta ampia e variegata che può accontentare i gusti di tutti; speriamo che in futuro manifestazioni come queste possano esser prese un po’ più in considerazione anche al di fuori dei canali specializzati, in modo da riuscire a sconfiggere il pregiudizio tutto italiano che vede il fumetto come un medium inferiore alla letteratura classica, mero intrattenimento per bambini ben lontano dalla ‘vera’ letteratura.

La presunta alternativa si è inabissata alla terza puntata. E ora il vuoto lasciato da Annozero assomiglia a una voragine di cui non si vedono i confini. La dimostrazione plastica del suicidio della Rai è il naufragio di Star Academy, la trasmissione che viale Mazzini aveva voluto in prima serata il giovedì su Raidue, al posto dell’esiliato Michele Santoro. La gara tra giovani cantanti (sulla falsariga di X-Factor) avrebbe dovuto reggere il confronto con Annozero, che nella stagione scorsa viaggiava con uno share del 20% abbondante e 6-7 milioni di spettatori a puntata.

Ma la scommessa buffa dei dirigenti Rai ha sbattuto contro numeri da depressione. Dopo il flop delle due prime puntate, con share al 6,41% e 5,94%, giovedì scorso il “talent” condotto da Francesco Facchinetti è sprofondato al 4,61%, che è valso solo un milione e 27mila spettatori. Cifre lontane anni luce da quelle dei suoi rivali del giovedì: Don Matteo, che su Raiuno ha avuto oltre sette milioni di spettatori, con share del 25,7%, e Io Canto su Canale5 (oltre 4 milioni, con share sopra il 17%). Visto il disastro, viale Mazzini ha calato un frettoloso sipario. Star Academy si concluderà sabato prossimo, e neppure in prima serata. La finale è stata programmata di pomeriggio, al posto della consueta appendice del programma, Sabato Academy.

Per di più, pare, in studio non ci sarà Facchinetti, e neppure orchestra e giuria. Gli artisti saranno accompagnati solo da basi registrate, in un malinconico clima da smobilitazione. Insomma, non è andata male: è andata peggio. Innanzitutto alla Rai, che aveva abbandonato X-Factor, ufficialmente perché troppo costoso e poi ha ripiegato su una trasmissione dello stesso genere. Ma la botta è dura anche per Facchinetti. Che, ironia della sorte, da conduttore di X-Factor se l’era cavata bene. Venerdì sera la Rai ha cercato di proteggerlo con una nota: “Facchinetti è uno dei giovani volti su cui punta la Rete, per cui sono già allo studio nuovi progetti”. Comprensibilmente scossi i cantanti del programma. Come il 22enne Gaetano Civello, che ieri sul suo profilo Facebook annunciava una rivolta degli artisti: “La finale di sabato, questa ennesima buffonata, si svolgerebbe senza Francesco Facchinetti, senza i quattro giudici e, soprattutto, senza l’orchestra. Naturalmente ci siamo rifiutati, e neanche questa puntata di sabato andrà in onda”.

In serata però dalla Endemol, la società che ha prodotto il format del programma, minimizzava: “Quello di Civello è stato solo uno sfogo, la puntata di sabato si farà”. Sullo sfondo, si intravede il declino dei talent show, che cominciano a pagare l’evidente inflazione. Lo conferma un altro flop: quello di Baila, il programma su Canale5 basato su sfide tra ballerini. Come per Star Academy, alla trasmissione di Mediaset è stata fatale la terza puntata, con “soli” due milioni e mezzo di spettatori. E così domani sera il programma chiuderà con la finale anticipata.

da Il Fatto Quotidiano del 16 ottobre 2011

“Addio al grande innovatore” dice il presidente americano Barack Obama. “Mi mancherà immensamente” gli fa eco Bill Gates, fondatore di Microsoft, il grande amico-rivale di Steve Jobs alla notizia della sua morte prematura.

Noi, nel nostro piccolo, unendoci alle voci di tutto il mondo possiamo solo dire “Ciao, Steve…”

“…la morte è molto probabilmente la migliore invenzione della vita. È l’agente di cambiamento della vita. Spazza via il vecchio per fare posto al nuovo. Il tempo a vostra disposizione è limitato, per cui non sprecatelo vivendo la vita di qualcun altro”.(Steve Jobs – 2005)

Se siete appassionati vi consiglio di non perdere un’altra chicca che arriva sul canale satellitare Man-Ga a partire dal 7 ottobre.

Si tratta di “Babil Junior” (Babiru Ni-Sei ), una serie anime del 1973 prodotta da Toei Animation e tratta dal manga di Mitsuteru Yokoyama.

Il charachter design è opera di Shingo Araki il disegnatore che ha dato vita ai protagonisti di serie come “Rocky Joe”, “Lady Oscar”, “Occhi di gatto”, “Ryu il ragazzo delle caverne”, “I Cavalieri dello zodiaco”, e lo potete notare facilmente dai lineamenti del protagonista che ricorda molto Ryu, ad esempio.

Rivedendolo oggi l’anime composto da 39 episodi è un po’ datato graficamente e forse non approfondisce particolarmente i personaggi, ma per i tempi in cui venne prodotto era considerato un prodotto moderno e dall’animazione fluida, e ancora oggi è molto popolare in Giappone. Forse perchè è la prima produzione che lanciò il maestro Araki nell’olimpo dell’animazione mondiale e televisiva.

Non c’è pace nella galassia nagaiana. Proprio quando credi di aver individuato almeno un paio di culti assoluti della vecchia Tv dei robottoni animati (magari con un Mazinga Z o, a caso, un Ufo Robot Goldrake), spunta un “fuori collana” come Mazinkaiser (2001): più o meno la stessa orbita, più o meno reboot di qualità con design sopraffino e armature metalliche “ganze” a rimpiazzare l’antica corazza. Ma poi. Proprio quando credi di aver messo a tacere l’ultimo languore di novità del sommo Go Nagai, memore che al nome Mazinga corrisponde in ordine rigorosamente sparso una piccola enciclopedia, dalla A di Mazinger Angels alla Z di Mazinger Edition Z – The Impact!, ecco spuntare un’altra follia d’artista delle sue: Mazinkaiser SKL (2011).

Tre episodi tre di stratosferico OAV a pallettoni, senza corpetto protettivo. L’anime di Jun Kawagoe (Kotetsushin Jeeg, un nome un programma) si lancia a testa all’ingiù in una timeline a parte della mazin-saga, spin-off di Mazinkaiser con quell’incoscienza tipica degli anime giapponesi che rischia di stordire o incattivire i fan oltranzisti. Quelli devoti alla galassia nagaiana primigenia, insomma. Come altrove, si parte con gettito continuo di azione e combattimenti, tra squadroni speciali bucherellati a inizio missione da pioggia di proiettili e due pazzoidi di piloti che si scambiano la cloche di comando alla guida del Mazinkaiser SKL. Altro che robottone! Un golem di metallo con mano più scaltra di Clint Eastwood e spada titanica che farebbe impallidire di invidia Berserk. Ovviamente: libero accesso a personaggi di altre opere di Nagai. E a squisitezze tecniche, dallo Skull Pilder a forma di teschio alle armi impugnate, che alimenteranno le discussioni tra i fan.

In arrivo in Italia, l’OAV è pronto a stupire, dividere le opinioni, scatenare i fan da una parte e dall’altra. In patria ha dato vita a un fumetto e a un romanzo apparso a puntate su “Dengeki Hobby Magazine”, senza contare la produzione di modellini e edizioni in dvd da collezione.

Sergio Bonelli. Era una delle colonne portanti del fumetto italiano, inteso come quell’artigianato impeccabile e invidiato in tutto il mondo, inteso come la fabbrica della fantasia, dell’intrattenimento efficace, a basso costo e popolare, e forse anche per questo sempre sulla cresta dell’onda.
Una delle cose che diceva più spesso in pubblico era: “Io sono solo un correttore di bozze”. Sergio leggeva tutto – e dico tutto – quello che pubblicava la sua casa editrice omonima. Dispensando consigli e senza lesinare critiche, bocciando e approvando, con la schiettezza che anche i lettori conoscono bene, quando scorrono le sue introduzioni alle nuove serie o i redazionali scritti di suo pugno. Sergio Bonelli era uno zio anziano ma saggio e vivace per il mondo del fumetto italiano, brillante e per certi versi conservatore allo stesso tempo, responsabile di innumerevoli avventure e personaggi che hanno segnato la storia della cultura (popolare e non) italiana. Ha inventato Zagor e Mister No, ha offerto un tetto e molto di più a Dylan Dog, Nathan Never o Martin Mystère, ha proseguito sulle orme del padre alle sceneggiature di Tex, con lo pseudonimo di Guido Nolitta. Aveva un’idea ben chiara del fumetto, “Sergione”. Forse non sempre condivisibile, forse non sempre al passo con i tempi, eppure, sempre di grande successo. Con tirature che se proporzionate alla popolazione non hanno pari in nessun’altra parte del mondo salvo forse Francia e Giappone. Mentre ci si arrabatta per favorire la cultura e la lettura, Tex aveva i suoi 400 mila lettori al mese, e seguivano Dylan Dog, Julia (molto letto tra il pubblico femminile, altro che manga) e tanti altri. Sergio Bonelli ha prestato il suo cognome a una casa editrice e a un formato, una scuola di pensiero e d’arte, patrocinando centinaia tra sceneggiatori e disegnatori, pronti a fare la storia del fumetto come lui ha fatto. O almeno, ce lo auguriamo.

Fonte: unita.it (Marco Rizzo)

Per quelli che come me all’epoca dell’uscita del cartone animato di Gundam hanno compreso che non era un anime comune e rivedendolo da persona adulta capiscono che in confronto a cartoni animati di oggi non c’è storia!

E’ vero, gli anni 80 sono gli anni 80, storie forse più dure e tristi alle volte, ma sicuramente non vuote come quelle moderne, ma è solo un mio parere.

Lasciando stare la malinconia per certi tempi passati, Bandai propone per la fine di Settembre, il kit di montaggio della Base Bianca, la casa se vogliamo, del pilota di Gundam Amuro e compagni, una serie tutta nuova di modelli denominata “Gundam Ex Model”, che a dire il vero non dice in che scala sia, ma solo vedendo l’immagine, posso dedurre che il modello diverrà lungo circa 20/25 cm.

Questa nuova serie di kit proporrà esclusivamente i mezzi e le astronavi della serie, senza bisogno di colla o colorazione come quasi la totalità dei kit Bandai, ultima nota il prezzo, circa 45 Euro, che amio avviso avendo anche dei piccoli Mobile Suite in confezione è un’ottimo prezzo.

Kyashan il Mito – 1^TV
A partire dal 22 settembre tutti i giovedì dalle 22:20
in replica: ven 16:15 sab 13:00 – 03:55

 

Negli anni bui dopo la rivoluzione dei neoroidi, il genere umano aveva perduto il dominio del pianeta e la propria libertà, sopraffatto e soggiogato da una stirpe di robot da lui stesso creata.
Il negroide Braiking Boss, autonominatosi signore di tutti i robot, aveva scatenato una guerra totale contro la razza umana, costringendola a vivere con la faccia nella polvere sotto il peso dell’ acciaio.
Ma tra i nuclei della resistenza è ancora viva la fede nel salvatore che arriverà per guidare gli uomini alla vittoria contro l’ oppressore metallico.

L’ esistenza di questo salvatore si confonde nel mito, e gli uomini chiamano questo mito KYASHAN.

TITOLO ORIGINALE: SHINZO NINGEN CASSHAN SHINWA KARA NO KIKAN
ANNO DI PRODUZIONE: 1993
NUMERO EPISODI: 4
GENERE: Azione, fantascienza
COPYRIGHT IMG: © 1995 Harmony Gold. USA, Inc./Tatsunoko Productions Co., Ltd.

DOPPIATORI:

Kyashan / Tetsuya: Marco Balzarotti
Madre di Tetsuya: Graziella Porta
Luna Netsuki: Giulia Franzoso
Bk-1/Braiking Boss: Stefano Albertini
Com. Akubon: Giorgio Melazzi
Dott. Azuma: Massimiliano Lotti
Sangria: Dania Cericola
Voce Narrante: Caterina Rochira

L’uscita era prevista per domani ma CG e Yamato Video hanno sorpreso tutti e con pochissimo preavviso hanno anticipato di 2 giorni la distribuzione di Ken il Guerriero – La leggenda del vero salvatore, già nei cinema italiani da ieri. L’anime tratto dal manga di Buronson e Tetsuo Hara si scontra così con il blockbuster estivo “Harry Potter e i doni della morte – Parte 2″, avendo a disposizione un limitato numero di sale in cui gli appassionati potranno goderselo sul grande schermo.
Ken il Guerriero – La leggenda del vero salvatore è in programmazione al cinema Alhambra di Roma e in 12 cinema del circuito UCI Cinemas (Savignano, Firenze, Genova, Bicocca, Lissone, Pioltello, Mestre, Lunghezza, Porta di Roma, Fiumicino, Torino Lingotto, Moncalieri).

Si tratta del quinto capitolo della pentalogia di cui sono già usciti La leggenda di Raoul – Parte del Martirio e Amore, La leggenda di Julia, La leggenda di Raoul – Parte del combattimento feroce e La leggenda di Toki. Quest’ultimo lungometraggio si concentrerà sul personaggio di Kenshiro, raccontando una vicenda completamente originale ambientata tra la sua sconfitta per mano di Shin e il loro ultimo combattimento; si tratta quindi di un prequel del manga e della serie animata, nel quale si vedrà quali eventi hanno spinto Kenshiro ad accettare il suo ruolo di successore della Divina Scuola di Hokuto.
Potete vedere qui sotto il trailer italiano.
]]> http://www.atutticoloro.it/2011/07/si-conclude-al-cinema-la-pentalogia-di-ken-il-guerriero/feed/ 0 http://www.atutticoloro.it/2011/06/in-autunno-la-nuova-serie-di-gundam-mobile-suit-gundam-age/ http://www.atutticoloro.it/2011/06/in-autunno-la-nuova-serie-di-gundam-mobile-suit-gundam-age/#comments Thu, 09 Jun 2011 10:10:31 +0000 admin http://www.atutticoloro.it/?p=1298 Nel corso di un evento live trasmesso da Bandai Channel e Gundam.info il 13 Giugno verrà annunciata ufficialmente una nuova serie animata di Gundam, a cui, stando al regista Seiji Mizushima (Gundam 00), prenderanno parte diversi membri dello staff che ha realizzato Gundam 00.

Alcune pagine “rubate” del numero di Luglio della rivista Corocoro Comics della Shogakukan, che verrà distribuita soltanto la prossima settimana, rivelano alcuni dettagli del nuovo progetto: l’anime si chiamerà Mobile Suit Gundam AGE, verrà trasmesso in autunno e godrà anche di una versione a fumetti ospitata su Corocoro.
La nuova serie avrà per protagonisti tre generazioni, un padre, un figlio e un discendente che combattono una Guerra dei Cento Anni per salvare la Terra contro un nemico sconosciuto: Furitto Asuno, che ha sviluppato il Gundam AGE 1 (un‘arma mobile umanoide) equipaggiato con il sistema AGE (un computer auto adattante); Asemu Asuno, figlio di Furitto; e infine Kio Asuno, discendente di Furitto che eredita il Gundam. Il Gundam AGE 1 può essere potenziato come Gundam AGE 1 Taitasu per ottenere più potenza, o come Gundam AGE 1 Sparrow per maggiore velocità.

Tra i personaggi di supporto troviamo Emily, amica di Furitto da quando aveva 7 anni; Guurudekku, un comandante delle Forze della Federazione Terrestre e capitano della nave da battaglia Diva; e Mireesu, tenente della Federazione a bordo della Diva.

Oltre al manga sono previsti giochi, card e model kit.

La realizzazione della serie è affidata a Level 5 di Inazuma Eleven e Professor Layton; Akihiro Hino si occuperà della storia.

Nato a Tokyo il 18 novembre del 1943, Dezaki inizia la sua formazione nella Mushi Productions di Osamu Tezuka, dove lavora come disegnatore e direttore dell’animazione in serie storiche degli anni ’60 come Astro Boy, Kimba il leone bianco e Monkey. Nel 1970 gli viene affidata la regia di Rocky Joe, grandissimo successo in Giappone (e più tardi in Italia), che tuttavia segna la rottura con Tezuka per varie incomprensioni, e la formazione della casa di produzione Madhouse. Da allora, la carriera di Dezaki diventa prolifica e ricca di grandi successi, tra cui vanno ricordati Jenny la tennista (1973), Il tulipano nero (1975, di cui fu autore dello storyboard), Capitan Jet (1977) e L’isola del tesoro (1978).

I suoi lavori più noti, quelli a cui il suo nome viene maggiormente associato, sono tuttavia Remì (1977), dolente odissea nella povertà tratta dal romanzo Senza famiglia di Hector Malot e Lady Oscar (1979) in cui Dezaki subentrò a partire dal diciannovesimo episodio, dopo il calo di ascolti che la serie stava riscontrando. Tra gli anni ’80 e i ’90 si trasferisce negli USA, dove insegna tecnica dell’animazione e dirige serie e lungometraggi destinati a un pubblico più adulto: tra questi ultimi, si ricordano Space Adventures Cobra (1982), Golgo 13 (1983) e Golgo 13: Queen Bee (1998).

FONTE: YAMATOVIDEO.IT

Quasi quasi mi faccio chiamare Maestro

Il suo nome è una parte della storia degli anime giapponesi. Le sue opere occupano gli scaffali di videoteche e fumetterie, perfino nelle edicole dove sta impazzando Una spada per Lady Oscar, il cartoon che ha affascinato un’intera generazione di spettatori. Sempre mosso da grande passione e innamorato della regia, Osamu Dezaki è atteso in questo 2008 di nuovo in televisione dove si occuperà della versione anime di Ultraviolet (il film con Milla Iovovich) e di un classico come Cobra, vestito a festa per il trentennale. (E a proposito di anniversari: il prossimo autunno saranno trent’anni dalla realizzazione di L’Isola del Tesoro).
Lo scorso 18 novembre 2007 inoltre ha compiuto gli anni. Sessantatre candeline per l’esattezza da spegnere ripensando a una vita vissuta intensamente (mai dire il contrario) all’insegna del disegno e dell’arte, senza pentimenti (almeno non così stringenti) e con ancora una immensa voglia a rimettersi in gioco, in barba alla massa di giovani animatori che ogni anno sgomitano per farsi notare. Il sogno di Osamu Dezaki, il grande festeggiato di queste colonne, è iniziato nei primi anni ‘60 e si è incrociato – per caso o per capriccio del destino – con l’anfitrione per eccellenza di manga e anime: Osamu Tezuka. E se oggi questo regista è degno di nota, lo è unicamente per la sua straordinaria capacità a realizzare opere di qualsiasi segno e genere, passando dal ladro Lupin III al dottore cinico di Black Jack. Fino a quel buffo personaggio sfacciatamente kawaii di nome Hamtaro.

Mi chiamo Dezaki e faccio il regista
Nato a Shinagawa, Tokyo, il 18 novembre 1943, Osamu Dezaki è considerato da molti come l’unico grande erede della tradizione animata concepita e portata sullo schermo da Tezuka se non altro perché gli anni della sua giovinezza artistica li trascorre proprio alla corte del “dio dei manga”, che dopo una breve parentesi collaborativa con Toei Doga si era gettato anima e corpo nell’industria dei cartoon fondando un suo studio, la Mushi Production, e dando vita al primo vero cartone animato per la televisione: Astro Boy (Tetsuwan Atom, 1963). Per dirla altrimenti: il passato di Dezaki, come quello di molti altri colleghi e veterani, inizia nel bianco e nero catodico più classico, magari ingenuo e sperimentale, giacché né il giovane animatore né il suo imponderabile Maestro ancora sapevano della formidabile ascesa dei toon giapponesi nella storia di quel Paese.

In Italia Osamu Dezaki è conosciuto come regista televisivo di razza, uno che – col senno di poi – gli appassionati di una stessa generazione ricordano di aver conosciuto nei giorni dell’infanzia, messa alle strette da personaggi come Rocky Joe, Remì, Jim, Lady Oscar. Serie televisive spesso drammatiche, ingigantite da un design ruvido e parecchio realista con una continuità narrativa molto simile a quella dei film o dei telefilm americani. Insomma si capiva bene che dietro c’era un serio professionista.
In Giappone invece, Dezaki (lo dice lui per primo) non è conosciuto e seguito con la medesima passione. È uno che lavora nell’industria da oltre quarant’anni, appassionato cultore di cinema (dai classici del Neorealismo come Ladri di biciclette ai più fracassoni blockbuster hollywoodiani) e di letteratura, un signore dai capelli neri e occhiali rayban che incute simpatia e severità al tempo stesso. Uno che, come ama ripetere, non ha mai infilato un grande successo cinematografico al botteghino da sistemargli per sempre la vita. Fintantoché c’è da scherzarci sopra, tutto okay, eppure il regista quando si fa serio non manca di sottolineare e spiegare quanto difficile e a senso unico sia la carriera di un animatore. Di sicuro ha le idee molto chiare. Uscito dalla scuola superiore con il desiderio di affermarsi come fumettista (indovinate seguendo le orme di chi?) a soli vent’anni entra a far parte della ciurma di giovani animatori della Mushi arrivando a dirigere e supervisionare in tempi record già dal 1968 opere importanti e popolari come Astro Boy e The Monkey (Goku no daiboken). A neanche trent’anni fonda con alcuni amici e colleghi lo studio Madhouse. Siamo nel 1972 e il cammino di questo artista è appena agli inizi.

Imparare i trucchi del mestiere con il Maestro
La prima cosa che Dezaki impara ad affrontare nel mondo dell’animazione è un sovraccarico di lavoro: Tezuka è anche quel tizio che, per la cronaca, oltre ad aver “inventato” il primo cartoon per la televisione con qualità sorprendente per l’epoca, continuava a lavorare da instancabile disegnatore di fumetti. Nessuno lo ferma, neanche crisi e indebitamenti. Come per il Maestro anche la filmografia di Osamu Dezaki è una pagina piena e ricca di sregolatezze, segno che un contagio di sicuro c’è stato. Lavorare fianco a fianco con l’idolo dell’infanzia e mettere mano proprio alle opere lette da ragazzino è uno di quei privilegi che davvero capitano a ben pochi.

Da lettore di Astro Boy egli si ritrova dall’oggi al domani a lavorare in alcuni episodi della serie, collaborando ad altri progetti come Shin Takarajima (1965, lo special Tv tratto dal romanzo L’Isola del Tesoro di Robert Louis Stevenson, ma con animali) o Big X (1965): tutti lavori rigorosamente in bianco e nero. Sembra facile, e invece ci sono scalette rigide da rispettare e un ego artistico piuttosto invadente che occorre tenere a freno. Del resto è proprio in quegli anni che propone un suo fumetto sulla rivista sperimentale COM. E come per diversi altri celebri animatori anche Dezaki ha la fortuna di incontrare sulla sua strada colleghi e amici che stringeranno con lui un sodalizio professionale unico e indissolubile: Akio Sugino, il disegnatore che firmerà tra i più riusciti character design dell’universo anime. Nel 1967 finalmente debutta nella regia di alcuni episodi televisivi, dopo aver variamente collaborato come supervisore della continuity narrativa o disegnando image board di riferimento per il lavoro altrui. Senza pensarci troppo Tezuka gli affida la regia di due storici programmi televisivi: Dororo, serie in bianco e nero basata sul suo fumetto di cui realizzerà gli episodi 1, 6 e 11 e il divertente The Monkey per il quale firmerà otto puntate, compresa la puntata pilota.

E quindi venne il pugile Joe Yabuki
Quando gli chiedono chi altro oltre Tezuka rientra nel suo dream team, Dezaki non ha esitazioni: Tetsuya Chiba, il disegnatore di fumetti che onorerà in due occasioni. Nel primo caso con l’inedito Kunimatsu-sama no Otoridai (1971), un serial per ragazzini dall’aria innocente; nell’altro con un titolo di futuro culto per tutti gli anni ‘70, capace di diventare un genere a sé stante nel firmamento animato nipponico: Rocky Joe. L’occasione arriva grazie a Mushi Production che è chiamata a occuparsi della realizzazione della prima stagione e Dezaki (autore del primo episodio) dividerà la scena assieme ad artisti non ancora celebri come Yoshiyuki Tomino, uno dei creatori di Gundam che si stava facendo le ossa come sceneggiatore.

La storia del giovane orfano Jo Yabuki ha poco in comune con le zuccherose storie per bambini di quegli anni. Parla un linguaggio crudo e si presenta al pubblico con un tratto molto marcato, portandosi dietro un bagaglio di temi e ideologie parecchio adulto: il disagio giovanile, la galera, la boxe come mezzo di sopravvivenza sono soltanto alcuni degli argomenti che scivoleranno nella vita del protagonista. Neanche un decennio più tardi, quando a prendere le redini produttive arriverà Tokyo Movie Shinsha, Dezaki è subito invitato a occuparsi della seconda serie che, sotto la sua direzione, acquisterà un’identità più drammatica ancora in cui si affaccerà senza troppi scrupoli la presenza della morte. Il completamento di quella esperienza per il regista avrà la forma di un bellissimo film prodotto nel 1981 che metterà ufficialmente la parola fine alla tormentata carriera del pugile Yabuki, lasciando comunque in Dezaki un vuoto, come avrà modo di ripetere spesso, e cioè la mancata possibilità di affrontare l’infanzia di questo storico personaggio prima degli eventi rappresentati dal fumetto di Chiba.

Parole d’ordine: lacrime e sudore
Nella sterminata filmografia d’autore emergono ruoli più o meno importanti in una miriade di prodotti realizzati quasi tutti per Tokyo Movie Shinsha, la società in cui passa a lavorare anche dopo aver fondato assieme a Masao Maruyama e Rintaro lo studio Madhouse. È un periodo di grande fermento per l’industria animata e gli incarichi, soprattutto in veste di supervisore, sono numerosissimi. Ma negli anni ‘70 Osamu Dezaki – che è ormai riconosciuto professionista – vuol dire essenzialmente due cose: shojo manga e classici letterari portati sul piccolo schermo. Nel 1973 accetta di dirigere Jenny la tennista (Ace o nerae!) dal fumetto di Sumika Yamamoto, lui che era a bocca asciutta quanto a letture per ragazze. Per l’occasione si rimbocca le maniche e si mette a leggere tutti i volumi a disposizione e realizza un anime (cui farà ritorno altre due volte: con un film nel ‘79 e la serie di Oav Jenny Jenny nel 1988) che appassiona per l’indiscusso climax narrativo.

Il giro di vite lo darà soltanto nel 1980 quando TMS gli propone di sostituire Tadao Nagahama nella regia di Una spada per Lady Oscar (Versailles no bara), il serial sulla Rivoluzione Francese tratto dal manga di Riyoko Ikeda. Al suo fianco non c’è il fidato Akio Sugino, bensì la coppia Shingo Araki/Michi Himeno e li invita a ripensare i tratti dei personaggi perfezionando le animazioni. Con il suo arrivo Berubara (il nomignolo caro alle fan della serie) passa a tutt’altro regime e pur non ottenendo subito il successo di pubblico sperato entrerà nell’olimpo dei titoli di culto. Con la Ikeda il regista si confronterà un’ultima volta nel 1991 grazie alla bellissima serie Caro fratello, altro popolare successo anche in Italia. Qualche attimo prima però Dezaki aveva sorpreso tutti realizzando un lacrimoso e tragico Remì (1977), dal romanzo di Hector Malot, ed era riuscito a coronare uno dei sogni della sua vita: adattare per la televisione nientemeno che L’Isola del Tesoro di Robert Louis Stevenson ma questa volta senza ironia come ai tempi di Shin Takarajima (dove i personaggi erano tutti animali antropomorfi). Ciascuno a modo suo, quei cartoon riuscirono a immortalare una faccia tutta nuova dell’animazione.

Partenza per gli USA e ritorno con Rumiko Takahashi
Colpo di scena. Dopo aver diretto due tra i migliori lungometraggi animati degli anni ‘80, Cobra dal manga di Buichi Terasawa e il cupo Golgo 13 da Takao Saito, Osamu Dezaki viene spedito negli States dalla TMS (forse anche per via della sua fugace collaborazione al secondo progetto del Little Nemo voluto dallo studio e dai partner americani) per lavorare ad alcuni progetti che avevano il preciso scopo di far conoscere il nome dell’azienda sul mercato USA (manovra peraltro riuscitissima). È il presidente della compagnia, il defunto Yutaka Fujioka, a convincerlo a partire sulla falsariga di importare la cultura dei fortunatissimi robot della tradizione animata giapponese, che non conoscevano in Occidente analogo seguito. Il più importante lavoro della trasferta di Dezaki si intitola The Mighty Orbots (1986), cartoon praticamente tutto nipponico: «Quasi per intero lo staff era formato dalla mia squadra», ricorda in un’intervista il regista. «I nostri colleghi stranieri avevano ideato lo script, ma le sceneggiature alla fine le scrivevamo noi. Durante la lavorazione gli americani ci presentarono diversi storyboard su cui lavorare ma pure quelli fummo costretti a rifarli.

L’idea del presidente era di vendere un prodotto robotico come non se ne era mai visto prima negli States. Parlo di una co-produzione di soli tredici episodi ma è come se fosse stata sempre e comunque nelle mani dello staff giapponese». Non si tratta di una totale perdita di tempo, ammetterà in seguito il regista lasciandosi unicamente scappare una piccola confessione, e cioè che in patria gli adorati cartoon stavano chiaramente passando un periodo non esaltante. Una volta rientrato a Tokyo accetta di firmare l’Oav One Pound Gospel (1988) basato sul popolare manga di Rumiko Takahashi. Dice di sì perché la storia del pugile e della suora lo elettrizza, ma per farlo gli tocca ricorrere a uno pseudonimo (Makura Saki) in quanto legato contrattualmente ad altra società. Per questo lavoro riceverà addirittura i complimenti della disegnatrice, senza peraltro incontrarla mai.

Vecchie glorie da resuscitare
Tornare a casa per Dezaki significa anche fare i conti con la propria professione. E decidere non soltanto su quali progetti imbarcarsi ma anche come affrontare l’evidente competizione con gli animatori emergenti. La scelta è sorprendente: da un lato ripiega nel passato con Lupin III sul quale lavorerà come autore e supervisore dei copioni di quasi tutti gli special televisivi prodotti dal 1989 a oggi (e i risultati sullo schermo da principio saranno altalenanti); dall’altro si ingegna a dare vita a uno degli storici personaggi tezukiani, il dottor Black Jack, che non era mai riuscito a risplendere di luce propria, tranne in sporadiche apparizioni in film come L’espresso sottomarino e L’uccello di fuoco 2772. È il colpo da maestro tanto atteso. Con il sostegno di Tezuka Productions e Shochiku progetta una serie di 12 Oav che debutta nel 1993 guadagnandosi il plauso della critica e un successo internazionale senza precedenti (nel ’96 firmerà anche un film, La sindrome di Moira, che farà il giro dei festival di mezzo mondo). Ogni episodio viene indicato come “cartella clinica” (in originale: karte) e per il protagonista si tramuta in una sfida contro i suoi limiti di medico e uomo. Il realismo che si porta dietro, grazie al sofisticato design creato da Sugino, è sorprendente e per colpire nel segno Dezaki chiede perfino la consulenza di un esperto. L’operazione Black Jack sarà anche l’inizio di una lunga serie di progetti volti a omaggiare il nome di Osamu Tezuka.

Nel frattempo il Nostro realizza un altro dei suoi sogni tornando alle serie Tv con Hakugei Densetsu (La leggenda di Moby Dick, 1997), un classico della letteratura tratto da Herman Melville (scrittore che adora) prodotto dopo tante rinunce. Soltanto, questa volta si concede il lusso di sperimentare di più rispetto al passato e ambienta la vicenda del Capitan Achab nel futuro con il fedele Sugino a elaborare personaggi e animazioni, va detto, meno eleganti del solito. Dei 39 episodi preventivati, il produttore Tetsuo Katayama gliene accorda 26. Quasi a non voler distaccarsi del tutto dal suo passato, nel 1998 torna a occuparsi di Golgo 13 con un Oav dal titolo Queen Bee in cui sesso e violenza sono due componenti inscindibili. Per sorprendere il suo pubblico abituale, dal killer di Takao Saito passa nel 2001 alla regia di due film ispirati alla serie più popolare e cool del momento: Hamtaro. Roba per bambini. Un abisso colossale che riflette la carriera ondivaga di Dezaki. Non a caso quattro anni più tardi torna nuovamente alla corte di una serie Tv per la rete di stato NHK con un racconto di Hans Christian Andersen: Yuki no joo (La regina delle nevi, 2006) dove sembra riecheggiare lo stile dei programmi realizzati trent’anni prima grazie al tratto delicato di Akio Sugino. Per l’ennesima volta, il regista si scopre grande intrattenitore e nei 36 episodi di cui si compone la serie racconta al suo pubblico l’avventura di Kay e Gerda mentre affrontano la glaciale e affascinante Regina delle Nevi lontano dal loro villaggio.
E pensare che neanche un anno prima Dezaki aveva diretto il film Air (2005) tratto da un popolare game per adulti. Ennesima manifestazione artistica di un uomo seriamente innamorato dei disegni animati che nessuno riesce a tenere a freno.

Akio Sugino, amico inseparabile
Arriva da una famiglia numerosa e inizia ad appassionarsi al disegno quando frequenta la scuola elementare, Akio Sugino, nato nei primi anni ‘40. Inizia a proporsi come disegnatore di fumetti prima di entrare alla Mushi Production di Tezuka dove conosce Osamu Dezaki, stringendo con lui una forte amicizia che lo porterà a diventare il suo più stretto collaboratore (assieme allo storico direttore della fotografia di tante produzioni Tokyo Movie Shinsha: Hirokata Takahashi). Debutta nell’animazione con Kimba il leone bianco (1965) e attraversa in grande stile quarant’anni di produzioni equamente divise tra opere per adulti e bambini. Oltre ad aver seguito Dezaki nelle sue imprese, Sugino parteciperà a serie come La Stella della Senna (1975), Peline Story (1978), Tom Sawyer (1980), Occhi di gatto (1984) e il nuovo film Jungle Taitei (1997). Grande ammiratore di Tetsuya Chiba e Akira Kurosawa, il disegnatore è diventato celebre per il suo tratto deciso e poetico, duro e realista prestatogli dai fumetti di Riyoko Ikeda (Caro fratello), Sumika Yamamoto (Jenny la tennista) e Mitsuteru Yokoyama (Super Robot 28). Una delle sue creazioni più originali è l’ideazione dei personaggi di Le avventure di Marco Polo (1979), l’anime che segna l’ingresso di Madhouse nella produzione televisiva.

Filmografia

Lady Oscar: © Riyoko Ikeda – TMS All Rights Reserved
L’Isola del tesoro: © TMS All Rights Reserved
Ultraviolet Code 044: © Madhouse/Sony Pictures Entertainment
Black Jack: © Tezuka Productions
Rocky Joe: © Asao Takamori – Tetsuya Chiba/Mushi Productions
Jenny la tennista: © Sumika Yamamoto/TMS
Lupin III – Il mistero delle carte di Hemingway: © Monkey Punch All rights reserved ©TMS All rights reserved Under License to YAMATO S.r.l. Produced by TMS ENTERTAINMENT, LTD.

Miseria, brutalità, crimini e efferatezze: terrore e speranza delle popolazioni; semplici contadini divengono eroi e al contempo ricercati per le forze per Regno di Italia. Terenzio Grossi è nato e cresciuto nelle Marche, dove insieme a una banda di uomini, compì le più terribili gesta, motivati dalla miseria, dall’ignoranza e dalla disperazione. Dopo un’attenta fase di ricerca delle fonti, Petrucci romanza a fumetti le avventure della Banda Grossi e narrando una delle piaghe più profonde e complesse dell’Unità di Italia.